ARRIVAL (Villeneuve, 2016): Flashbacks?

Denis Villeneuve's ARRIVAL is a thought experiment about how a language determines our way of thinking. On another level, the film challenges the implicitness with which we interpret certain formal structures as flashbacks based on conventions of film language.

Denis Villeneuves Sci-Fi-Gedankenexperiment ARRIVAL handelt davon, wie die Sprache unser Denken beeinflusst. Auf einer zusätzlichen Ebene stellt der Film auch die Selbstverständlichkeit in Frage, mit der wir gewisse formale Strukturen aufgrund von Konventionen der Filmsprache automatisch als Rückblenden interpretieren.

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KIND HEARTS AND CORONETS (Hamer, 1949): Voice-Over Narration

Probably best known for Alec Guiness playing eight different members of the same family, Robert Hamer's Ealing comedy KIND HEARTS AND CORONETS is also noteworthy for its ample use of voice-over narration. We are used to the concept of someone reading his memoirs off screen as we enter or exit a flashback. But having voice-over narration for almost 90 minutes with only brief pauses for onscreen dialogue is rather unusual. But then, so is talking about murder in a decidedly calm and courteous fashion.

Bei Robert Hamers Ealing Komödie KIND HEARTS AND CORONETS denken die meisten Leute daran, dass Alec Guiness acht verschiedene Mitglieder einer Familie verkörpert, und weniger an die ausgiebig verwendete Voice-Over-Erzählung. Nun sind wir es ja gewohnt, dass jemand beim Anfang oder Ende einer Rückblende aus dem Off seine Erinnerungen erzählt. Eine Voice-Over-Erzählstimme über fast 90 Minuten mit nur gelegentlichen Pausen für Dialoge ist jedoch eher ungewöhnlich. Aber ebenso ungewöhnlich ist es, in einer entschieden ruhigen und vornehmen Weise über Mord zu sprechen.

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Dennis Price as Louis Mazzini writing his memoirs.

LA FILLE INCONNUE (Dardennes, 2016): cellphones and buzzers

Telephone conversations are a central storytelling device in Jean-Pierre and Luc Dardenne's LA FILLE INCONNUE. Most often we see - sometimes also hear - only one side of such dialogue scenes which automatically stimulates our imagination. While the cellphone is a pivotal prop, there is an aural emphasis on ring tones, buzzers and the like.

Telephongespräche sind ein zentrales Erzählstilmittel in Jean-Pierre und Luc Dardennes LA FILLE INCONNUE. Meistens sehen - manchmal hören - wir nur die eine Seite solcher Dialoge, was automatisch unsere eigene Vorstellungskraft aktiviert. Während das Handy das entscheidende Requisit ist, werden auf der Tonspur Klingeln, Vibriergeräusche und Ähnliches betont.

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THE QUIET MAN (Ford, 1952): The Narrator Shapes The Story

Ward Bond as Father Lonergan is not your average voice-over narrator of a 1950s film. But then, THE QUIET MAN is not your average 1950s film either, however old fashioned it may look on the surface. In the fictional village of Inisfree the two competing clergymen pull the strings on almost anything that goes on in the community. It seems that it is all a game, or probably a racket in the eyes of one tough villager. Anyway, the meaty and witty narrator introduces himself when we see Father Lonergan for the first time on screen - some ten minutes after he recounted scenes that he certainly did not witness first hand.

Ward Bond als Father Lonergan ist sicher kein typischer Voice-Over-Erzähler eines Fünfzigerjahrefilms. Aber THE QUIET MAN ist auch kein typischer Fünfzigerjahrefilm, egal wie altmodisch er daherkommt. Im fiktiven Dörfchen Inisfree laufen fast alle Fäden bei den Priestern der beiden Kirchen zusammen. Alles scheint im Dorf ein Spiel zu sein, oder in den Augen eines rauheren Dorfbewohners eine Intrige. Wie dem auch sei, der kernige und launige Erzähler stellt sich erst vor, als wir Father Lonergan das erste Mal auf der Leinwand sehen, also einige Zeit, nachdem er Szenen erzählt hat, die er sicher nicht selbst miterlebt hat.

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Ford's repertory company actor Ward Bond as Father Lonergan and our not always humble narrator.

FANTASTIC BEASTS AND WHERE TO FIND THEM (Yates, 2016): Audience Surrogate

Just when I was convinced that Spielberg exhausted the concept of an "audience surrogate who is not the protagonist" with Short Round in INDIANA JONES AND THE TEMPLE OF DOOM (1984), J.K. Rowling enters the game with No-Maj Kowalski in the first FANTASTIC BEASTS movie to the point where spectators start to question if he was supposed to be the protagonist of this new New York saga which he most certainly is not. But anyway, for muggles new to the Rowling universe, wide-eyed Dan Fogler serves both as comic relief and an American everyman audience surrogate.

Gerade als ich überzeugt war, dass Spielberg das Konzept des Publikumsstellvertreters, der nicht Hauptfigur ist, mit Shorty in INDIANA JONES AND THE TEMPLE OF DOOM (1984) definitiv auf die Spitze getrieben hat, geht J.K.Rowling mit dem No-Maj Kowalski in FANTASTIC BEASTS soweit, dass sich einige Zuschauer fragen, wer denn jetzt eigentlich der Protagonist dieser neuen New York Saga sei. Auf jeden Fall erfüllt der Dan Fogler mit seinen Kulleraugen sowohl die Funktion des Comic Relief als auch des Publikumsstellvertreters als amerikanischer Durchschnittsbürger.

Dan Fogler (left) in FANTASTIC BEASTS AND WHERE TO FIND THEM (2016)

Johnathan Ke Quan as Short Round in TEMPLE OF DOOM (1984)

Alfred Molina as one of several audience surrogates in RAIDERS OF THE LOST ARK (Spielberg, 1981)

FINSTERES GLÜCK (Haupt, 2016): the power of "tell, don't show"

Stefan Haupt's upcoming literature adaptation FINSTERES GLÜCK is about a middle-aged hospital psychologist who is assigned to help a boy cope with the fact that he lost his family in a car accident. It contains at least one great example of "tell, don't show" in which a character's retelling of a traumatic experience is not visualized through flashback images. This usually reminds me that our imagination conjures up the most powerful images. Besides, we get to see the facial expression of the person who speaks.

Stefan Haupts kommende Literaturverfilmung FINSTERES GLÜCK handelt von einer Spitalpsychologin mittleren Alters, die einem kleinen Jungen helfen soll, damit umzugehen, dass seine ganze Familie in einem Autounfall ums Leben gekommen ist. Der Film enthält mindestens ein starkes Beispiel von "tell, don't show", wo die Nacherzählung einer traumatischen Begebenheit nicht durch Rückblendenbilder visualisiert wird. In solchen Momenten produziert unsere Vorstellungskraft die stärksten Bilder. Zudem können wir den Gesichtsausdruck der erzählenden Person beobachten.

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FINDING NEMO (Stanton, 2003): POV Flash Forward

Andrew Stanton's FINDING NEMO had one formally unexpected scene that felt so natural most people probably do not remember it. While TOY STORY introduced us to the moving point-of-view shot, NEMO took it one step further and integrated it into a first person plural point-of-view in a flash forward!

Andrew Stantons FINDING NEMO enthielt eine formal unerwartete Szene, die aber so natürlich wirkte, dass sich wohl die wenigsten Zuschauer aktiv daran erinnern. Während TOY STORY die bewegte Ich-Perspektive im Animationsfilm zum Stilmittel erhob, ging NEMO einen Schritt weiter und baute diese aus zu einer "Wir-Perspektive" in einem Flash Forward (also nicht "Rück-" sondern "Vorwärtsblende").

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Collective "we" POV in a flash forward showing mastermind Gill's escape plan.

IL PORTIERE DI NOTTE (Cavani, 1974): Aural Flashback

Do not take IL PORTIERE DI NOTTE too seriously. It already does that enough itself. But Italian movies (apparently people used to speak English at the Vienna opera house in 1957) are often treasure troves for interesting if non-realistic sound choices. Among all the visual flashes, there is a short but important aural flashback that relays some important information which is a relief after some awkwardly delivered explanatory dialogue in earlier scenes.

Man sollte IL PORTIERE DI NOTTE nicht zu ernst nehmen. Der Film tut das selbst schon genügend. Aber italienische Filme (an der deutsch angeschriebenen Wiener Oper sprach man scheinbar 1957 englisch) sind oft eine Fundgrube für Freunde des interessanten wenn auch kaum realistischen Sound Designs. Zwischen all den visuellen Rückblenden versteckt sich eine kurze aber entscheidende akustische Rückblende, die tatsächlich wichtige Informationen enthält, während in früheren Szenen Erklärungen ziemlich künstlich in die Dialoge gezwängt wurden.

I was not able to take screenshots from this disc.

LADY SNOWBLOOD (Fujita, 1973): Stills montage

Much has been written about how closely Quentin Tarantino followed the structure and style of Fujita Toshiya's SHURAYUKI-HIME (LADY SNOWBLOOD) in KILL BILL (2003/4). The Japanese genre film feels a lot less refined despite - or because - there are quite a few more radical visual storytelling choices and ideas on display (silent film like editing patterns, for example). As a clear precursor to Tarantino's anime sequence, in LADY SNOWBLOOD several flashbacks are shown in a montage of still frames, some of them historic illustrations, some obviously manga, some sepia photographs.

Zu den stilistischen und dramaturgischen Parallelen von Fujitas SHURAYUKI-HIME (LADY SNOWBLOOD) und Tarantinos KILL BILL (2003/4) wurde schon viel geschrieben. Der japanische Genrefilm wirkt jedoch einiges ungeschliffener, obwohl - oder vielleicht gerade weil - er radikalere Erzählmuster und visuelle Ideen aufweist (zum Beispiel stummfilmartige Schnittfolgen). Als klare Vorläufer von Tarantinos Anime Sequenz erweisen sich mehrere Flashbacks, die in LADY SNOWBLOOD in einer Montage aus Standbildern (historische Illustrationen, Mangavorlagen, Photos) gezeigt werden.

L'ANNÉE DERNIÈRE À MARIENBAD (Resnais, 1961): Repetitions

L'ANNÉE DERNIÈRE À MARIENBAD is one of the most iconic films of the "nouvelle vague rive gauche" and its serial rather than dramatic construction remains as enigmatic as it probably was in 1961. Its whole premise is practically based on repetitions. There are repeated conversations throughout, repeated travellings, its plot is about a supposed affair that happened under similar circumstances the year before und even within the black and white widescreen frames there are instances of repetitions.

L'ANNÉE DERNIÈRE À MARIENBAD ist einer der ikonischsten Filme der "Nouvelle Vague Rive Gauche" und seine eher serielle als dramaturgische Konstruktion wirkt heute wohl noch genauso enigmatisch wie bei der Premiere. Resnais' Film basiert praktisch ausschliesslich auf Wiederholungen. Da gibt es wiederholte Konversationen, wiederholte Kamerafahrten, der Plot dreht sich um eine angebliche Affäre genau ein Jahr zuvor und sogar innerhalb der schwarzweissen Breitwandbilder sind Wiederholungen zu erkennen.

Delphine Seyrig reflecting in the mirrors of Marienbad.

IN THE MOOD FOR LOVE (Wong Kar-Wai, 2000): repetitions

IN THE MOOD FOR LOVE tells the story of a man and a woman who suspect that their respective spouses have an affair. Like most of Wong's films it is composed of elliptic vignettes. But this time the director structures the plot around very few situations and locations that are revisited over and over again in slightly different ways as time passes. Very often, the repetitious nature of these events is further emphasized by recurring pieces of music like Michael Galasso's arrangement of Shigeru Umebayashi's "Yumeji's Theme".

IN THE MOOD FOR LOVE erzählt die Geschichte eines Mannes und einer Frau, die ihre jeweiligen Ehegatten einer Affäre verdächtigen. Wie die meisten Filme von Wong Kar-Wai besteht auch dieser aus elliptischen Alltagsszenen. Diesmal baut der Regisseur die Handlung anhand einer kleinen Anzahl von Situationen und Schauplätzen, die immer wieder in leicht veränderter Form vorkommen. Sehr oft wird die repetitive Struktur von wiederkehrenden Musikstücken wie etwa Michael Galassos Arrangement von Shigeru Umebayashis "Yumeji's Theme" verdeutlicht.

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Maggie Cheung and Tony Leung meet repetitiously on the way to and from noodles shop.

MADAME DE... (Ophüls, 1953): The prop that holds it all together

Max Ophüls's MADAME DE... is full of elegant camera moves and hilarious running gags to balance the melodrama. But most of all, it is one of those stories which basically revolve around a prop: in this case a pair of diamond earrings. In fact, the English distributor even expanded the title to THE EARRINGS OF MADAME DE....

Max Ophüls' MADAME DE... lebt von eleganten Kamerabewegungen und wunderbaren kleinen Runninggags, die dem Melodram die Schwere nehmen. Hauptsächlich ist das aber einer der Filme, deren Geschichten sich im Wesentlichen um ein Requisit drehen: in diesem Fall ein Paar Diamant-Ohrringe. Der englische Verleiher hat deswegen sogar den Titel verlängert zu THE EARRINGS OF MADAME DE...

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Danielle Darrieux wearing the earrings that are given and sold and given and sold infinitely.

JAWS (Spielberg, 1975): Tell, don't show!

Steven Spielberg's JAWS was not only the world's first summer blockbuster that allegedly ruined New Hollywood and certainly demonized an endangered species. On the upside, it still is a masterclass in cinematic storytelling.
The emotional core of the all male second half is a scene in which the Ahab-like Quint (Robert Shaw) reveals his personal reasons for fighting sharks. It also basically explains why he acts like a John Huston character. There is a catch to it: Spielberg lets him tell his story in a long scene within a confined space without flashbacks or any other visual devices than the acting. This way, the most disturbing vision of horror does not unfold on the screen but in our heads where it lingers on for a while.

Steven Spielbergs JAWS war nicht nur der zweifelhafte erste Sommerblockbuster, der angeblich New Hollywood ruinierte und eine bedrohte Tierart dämonisierte. Der Film ist auch heute noch eine Masterclass in audiovisueller Erzähltechnik. 
Den emotionalen Kern der männerlastigen zweiten Hälfte bildet jene Szene, in der der Ahab-ähnliche Quint (Robert Shaw) die Gründe für seine Hai-Obsession enthüllt. Sie erklärt auch, warum er aus einem John Huston Film entsprungen zu sein scheint. Das Spezielle daran: Spielberg lässt ihn die Geschichte in einer langen Szene im Boot ohne Flashbacks erzählen, einzig gestützt auf das Schauspiel. So entfaltet sich der wahre Horror nicht auf der Leinwand sondern viel nachhaltiger in unseren Köpfen.

[MS]

Robert Shaw and Richard Dreyfus during Quint^s revealing monologue.

TO KILL A MOCKINGBIRD (Mulligan, 1962): Tell, don't show!

TO KILL A MOCKINGBIRD is a heart-warming adaptation of Harper Lee's Southern Gothic novel, as some call it because of its subplot revolving around the protagonists' eerie neighbor Boo Radley. Pakula/Mulligan's film is a very obvious example of an almost forgotten storytelling device: "tell, don't show!" Most of the gruesome or violent story or backstory events are related to us by characters without visual flashbacks or anything like that. This not only makes the film suitable for children who will not be disturbed by dialogue that goes over their heads, but it also stimulates our imagination which is considerably more than most literature adaptations achieve.

TO KILL A MOCKINGBIRD ist die herzerwärmende Verfilmung von Harper Lees "Southern Gothic" Roman, der dieser Stilrichtung wegen einer Nebenhandlung um den unheimlichen Nachbarn Boo Radley zugeordnet wird. Der Film von Pakula und Mulligan ist ein offensichtliches Beispiel für eine in Vergessenheit geratene Erzähltechnik: "erzähle, statt zu zeigen". Die meisten schauerlichen oder brutalen Handlungsmomente werden uns von Figuren erzählt, ohne dass wir bebilderte Flashbacks dazu erhalten. Dadurch ist der Film nicht nur kindertauglich (weil diese von Dialogen, die ihren Horizont übersteigen, kaum verstört werden), sondern regt die Phantasie des Zuschauers an, was nur wenigen Buchverfilmungen gelingt.

The gruesome details about Boo Radley as well as the attempted rape
are effectively left to our imagination. 
Besides, we can never be sure how it really happened.

[MS]