KISS ME DEADLY (Aldrich, 1955): Source Music

Robert Aldrich's richly textured film noir KISS ME DEADLY is interesting in many ways beyond its fresh approach to the amoral private dick Mike Hammer. It contains quite an extraordinary sound track, for example. In several scenes, ambient sounds like crashing waves or radio transmissions assume the function of background music. There is an original score, of course. But the filmmakers mainly rely on source music (car-radios, live singers, record players) for the musical accompaniment.

Robert Aldrichs reichhaltiger Film Noir KISS ME DEADLY ist auch jenseits vom neuartigen Zugriff auf den unmoralischen Protagonisten Mike Hammer in verschiedener Hinsicht interessant. Da ist zum Beispiel die Tonspur: in mehreren Szenen übernehmen Atmo-Geräusche von Wellen oder Radioübertragungen die Funktion der klassischen Filmmusik. Einen Score gibt es zwar schon, die Filmemacher verwenden jedoch hauptsächlich diegetische Musik (Autoradios, Live-Gesang, Plattenspieler) als musikalische Untermalung.

[RV]

Ernest Laszlo knew how to light a beautiful singer (top); Mike Hammer is about to commit a sin in any music lover's eyes.

THE QUIET MAN (Ford, 1952): Home is Where We Sing Together

Although I have not been looking for them at all, I keep stumbling upon non-musical films in which characters burst into a song - or in the case of John Ford's sentimental ballad to his ancestors' Ireland THE QUIET MAN quite a few of them. Maybe the characters do not sing as many as in his even more sentimental and beautiful Welsh companion piece HOW GREEN WAS MY VALLEY (1941), but hearing Mauren O'Hara sing traditionals (in her own voice - unlike many Hollywood leading ladies of her time) is certainly part of the attraction of Fords oldfashioned but nonetheless touching love letter to the fictional Irish village of Inisfree.

Obwohl ich eigentlich gar nicht danach suche, beschäftige ich mich momentan ständig mit Filmen, in denen die Figuren singen, obwohl es definitiv keine Musicals sind. Im Fall von John Fords Ballade an die irische Heimat seiner Vorfahren, THE QUIET MAN, tragen gleich mehrere Gesangsszenen zur Atmosphäre bei, wenn auch nicht soviele wie im noch schöneren und sentimentaleren walisischen Gegenstück HOW GREEN WAS MY VALLEY (1941). Maureen O'Hara Traditionals singen zu hören, ist jedoch definitiv Teil der Attraktion dieser herrlich altmodischen, aber trotzdem noch immer berührenden Liebeserklärung an das fiktive irische Dörfchen Inisfree.

[RV]

SECRET OF THE INCAS (Hopper, 1954): Yma Sumac sings!

Jerry Hopper's SECRET OF THE INCAS is a cheap B-movie with Charlton Heston as a US adventurer named Harry Steele whose costume and mission were among the many inspirations for RAIDERS OF THE LOST ARK (1981). There is absolutely no reason to watch this heap of cardboard clichés devoid of any atmosphere - unless you are a fan of spellbinding Peruvian singer Yma Sumac who demonstrates her astonishing ability to master almost five octaves all in the same song.

Jerry Hoppers SECRET OF THE INCAS ist ein billiger Genrefilm mit Charlton Heston als amerikanischem Abenteurer namens Harry Steele, dessen Kostüm und Mission unter anderem den ersten Indiana Jones Film RAIDERS OF THE LOST ARK (1981) inspiriert haben. Eigentlich gibt es keinen Grund, diese atmosphärefreie Ansammlung lauwarmer Klischees anzuschauen - ausser man ist ein Fan der faszinierenden peruanischen Sängerin Yma Sumac, die hier ihre erstaunliche Fähigkeit unter Beweis stellt, im gleichen Lied über fast fünf Oktaven zu singen.

MOBY DICK (Huston, 1956): Sea Shanties

John Huston's adaptation of MOBY DICK is a great example of how characters bursting into shanties, hymns and work songs contribute to the atmosphere of an adventure film that could never be confused with a musical.

John Hustons Verfilmung von MOBY DICK ist ein gutes Beispiel dafür, dass singende Figuren einem Abenteuerfilm Atmosphäre verleihen können, ohne dass jemand an ein Musical denken würde.

[RV] 

People singing in the tavern and in church in Huston's trademark dynamic wide-angle compositions.

THE NAKED ISLAND (Shindo, 1960): Live-action without dialogue

Shindo Kaneto's "cinematic poem" THE NAKED ISLAND is one of the few realist live-action films that contain almost no dialogue. In gorgeous scope cinematography, the film shows us a small family living off the land of an arid small Island on the Setonaikai archipelago in south-west Japan. Except for a few emotional exclamations, we only hear school children, villagers and a non-diegetic female voice sing a few folk-songs. Music as well as foley and atmospheric sounds are present throughout. However, the characters are mostly defined by how they manage their daily chores.

Shindo Kanetos "filmisches Gedicht" THE NAKED ISLAND ist einer von wenigen realistischen Realfilmen, die fast ganz ohne Dialog auskommen. In grossartigen Scope-Bildern zeigt uns der Film eine Kleinfamilie, die auf einer kargen Insel auf dem Setonaikai Archipel im Südwesten Japans lebt. Ausser emotionalen Ausrufen hören wir nur Schulkinder, Dorfbewohner und gelegentlich eine extradiegetische Frauenstimme Volkslieder singen. Musik sowie Bewegungs- und Umgebungsgeräusche sind jedoch dauernd vorhanden. Die Figuren hingegen werden durch die Art charakterisiert, wie sie ihre täglichen Arbeiten verrichten.
 
[RV] (again testing the patience of some, as there is hardly a story at all. But it lets you glimpse into an archaic microcosm)

Blu ray screenshots lifted from dvdbeaver.com

TONI ERDMANN (Ade, 2016): Singing

If Maren Ade's brilliant Cannes '16 favorite TONI ERDMANN had to be summed up in one word, that had to be unpredictable. Even though the trailer seems to give away a lot, it turns out, the basic premise of a complicated father-daughter relationship with the father pretending to be someone else is just a pretext for an investigation into the human condition and some of the most funny situations I have seen in a "serious" comedy for a long time. Absurdly funny situations, not gags or pratfalls. Real comedy, not practical jokes. Although Toni is actually all about practical jokes. Sort of. This is no movie for people with short attention spans, but because of its inherently slow rhythm, at 162 minutes it is not one minute too long. But I digress... TONI ERDMANN is one of those movies where a character unexpectedly starts to sing a whole song "live" on camera, meaning there is no non-diegetic music, just source music (which can, of course, be fake like the piano performance in VICTORIA (2015), for example) and in this case, what we hear is most certainly the production track. So no more spoilers, go see it, as soon as it is released in your country!

Wenn man Maren Ades grossartigen Cannes-Favoriten TONI ERDMANN mit einem Wort beschreiben müsste, dann wär das "unvorhersehbar". Obwohl der Trailer schon ziemlich viel zu verraten scheint, stellt sich die Grundanlage einer verkorksten Vater-Tochter-Beziehung mit einem Vater, der sich als jemand anders ausgibt, als Vorwand für eine Betrachtung des Gesellschaftszustands und einige der komischsten Situationen, die ich in einer "ernsthaften" Komödie in letzter Zeit gesehen habe. Absurde Situationen, nicht Gags und Schenkelklopfer. Echte Komödie, nicht gespielte Witze. Wobei... Toni ist eigentlich ein gespielter Witz. Gewisserweise. TONI ERDMANN ist definitiv kein Film für Leute mit kurzer Aufmerksamkeitsspanne, dank seines organisch langsamen Rhythmus aber keine seiner 162 Minuten zu lang. Doch zurück zum Thema: TONI ERDMANN ist einer jener Filme, in denen eine Figur unerwarteterweise ein ganzes Lied singt, "live" vor der Kamera, also keine äussere Filmmusik wie im Musical, nur Musik innerhalb der Diegese (die natürlich wie beispielsweise die Klavierperformance in VICTORIA (2015) auch gut geschwindelt sein kann) und in diesem Fall wohl sogar der Gesang aus dem Moment, den wir sehen. Nun also genug der Spoiler, hingehen und staunen!

[MS]

Sandra Hüller sings in front of hand painted Romanian easter eggs.

BIRDMAN (Iñarritú, 2014): Percussive Comedy Timing

While most superhero blockbusters are drenched in repetitive drum rhythms popularized by Hans Zimmer and his collaborators, Alejandro G. Iñarritú explained the script of his superhero satire BIRDMAN to master drummer Antonio Sanchez and had him improvise on scenes that only existed in the director's head. Since Iñarritú did not want to cut his long takes, he used Sanchez' free flowing rhythm cues as guidelines for the actors' comedy timing.

Während die grossen Superheldenfilme meist von Hans Zimmer oder einem seiner Mitarbeiter mit repetitiven Trommelrhythmen durchtränkt werden, liess Alejandro G. Iñarritú für seine Superhelden-Satire BIRDMAN den Ausnahmeschlagzeuger Antonio Sanchez über Drehbuchszenen improvisieren, die so erst im Kopf des Regisseurs existierten. Weil Iñarritú die ewig langen Einstellungen nicht schneiden wollte, benutzte er Sanchez' frei schwingende Rhythmen schliesslich als Richtlinie für das Komödientiming der Schauspieler.

[MS]

Drummer Antonio Sanchez in the back lot recording drums for BIRDMAN's street scenes.

INCEPTION (Nolan, 2010): Zimmer Boom

Christopher Nolan's INCEPTION manages to keep both the shoot-em-up audience and those spectators who like mind-boggling babushka-style plots at it. What is more, Nolan's brand of blockbuster seems to bring out the best in Hans Zimmer (at least in his least melodic mode). Apart from his endlessly recurring chord progressions and trademark rhythms Zimmer introduced the world to a very simple but all-powerful brass note that is said to be partly based on a slowed down version of Edith Piaf's "la vie en rose" and has been imitated countless times ever since.

Christopher Nolans INCEPTION erfüllt sowohl die Erwartungen der Mainstream-Actionfans als auch die jener Zuschauer, die sich an kompliziert verschachtelten Plots erfreuen. Darüberhinaus scheinen Nolans düstere Blockbuster Hans Zimmer zu (melodielosen) Höchstleistungen anzutreiben. Abgesehen von endlos wiederkehrenden Akkordfolgen und seinen typischen Rhythmen führt Zimmer auf dem Höhepunkt des Films einen so simplen wie kraftvollen Blechbläserton ein, der angeblich auf einer verlangsamten Version von Edith Piafs "la vie en rose" basiert und seither unablässig imitiert wird.

[MS]

ZOOTOPIA (Howard/Moore, 2016): Percussion Pastiche

Michael Giacchino is most well-known as the go-to composer for both Pixar and J.J.Abrams. In recent years, he has become something like an American counterpart of Alexandre Desplat, if not in sheer productivity certainly in versatility. He delivered a John Williams infused score for Brad Bird's TOMORROWLAND while his gently repetitive score for Pete Docter's INSIDE OUT reminded me of Thomas Newman. For ZOOTOPIA, I expected someone from Remote Control Productions (probably Henry Jackman) delivering a percussion heavy soundscape. Instead, Michael Giacchino took the job of creating a percussive pastiche of world music, jazzy tv thriller riffs and dance rhythms.

Michael Giacchino ist hauptsächlich für seine Zusammenarbeit mit den Pixar-Regisseuren und J.J.Abrams bekannt. In den letzten Jahren wurde er zudem so etwas wie ein amerikanisches Gegenstück zu Alexandre Desplat; wenn auch eher bezüglich Vielseitigkeit als Produktivität. Für Brad Birds TOMORROWLAND schrieb er im Stil von John Williams. während sein unaufdringlich repetitiver Score für INSIDE OUT an Thomas Newman erinnerte. Für ZOOTOPIA wäre eigentlich ein perkussionslastiger Score aus den Reihen von Remote Control Productions (am ehesten von Henry Jackman) zu erwarten gewesen. Doch stattdessen lieferte Michael Giacchino das gewünschte Pastiche aus Weltmusik-Perkussion, Fernsehkrimi-Jazz und Tanzrhythmen.

[RV] 

Shakira as "Gazelle" performing her equally percussion driven theme song "Try Everything".

DAS BOOT IST VOLL (Imhoof, 1981): No score

If there is one classic Swiss film that is as relevant today as when it first came out, it is Markus Imhoof's refugee drama DAS BOOT IST VOLL ("the boat is full") which in my opinion contains some of the most accurate portrayals of a mentality I still encounter today. The post-synching might be a bit distracting but the decision to refuse the comfort of a dramatic musical score makes the film all the more captivating and immediate.

Wenn es einen Schweizer Klassiker gibt, der heute so relevant ist wie zur Zeit seiner Entstehung, dann ist das Markus Imhoofs Flüchtlingsdrama DAS BOOT IST VOLL. Selten habe ich ein präziseres Portrait einer auch heute noch weitverbreiteten Mentalität des Zögerns und nicht Zunahekommenlassens gesehen. Die nachsynchronisierten Dialoge mögen zwar stellenweise sehr ablenken, der Verzicht auf Hintergrundmusik  macht Imhoofs Film jedoch eindeutig spannender und unmittelbarer.

[MS]

Still from DAS BOOT IST VOLL.

RAIDERS OF THE LOST ARK (Spielberg, 1981): Unrealistic animal sounds

Since Indiana Jones' fear of snakes is one of his defining character traits, the snakes he meets in RAIDERS OF THE LOST ARK had to be memorable. However, the depicted animals are naturally extremely silent. So Ben Burtt's sound team made the "asps" (probably Egyptian Cobras) sound like loudly hissing monsters whose slithering sound was allegedly produced by fingers sliding through a cheese casserole provided by the sound designer's wife. In addition, all the creepy animals are often accompanied by John Williams' dissonant atonal modernist music.

Weil die Schlangenphobie zu Indiana Jones' entscheidenden Persönlichkeitsmerkmalen gehört, mussten die Schlangen in RAIDERS OF THE LOST ARK einen starken Eindruck hinterlassen. Die gezeigten Tiere sind in der Realität allerdings geräuschlos. Deshalb liess Ben Burtt's Ton-Crew die Ägyptischen Kobras wie laut zischende Monster klingen, deren Schleichgeräusche angeblich von Fingern in Käseauflauf stammen. Zusätzlich wird der Auftritt dieser gruseligen Tiere oft von John Williams' dissonanter atonaler Musik begleitet.

[MS]

Highly inventive slithering...

...and shocking hissing sounds.

IN THE MOOD FOR LOVE (Wong Kar-Wai, 2000): repetitions

IN THE MOOD FOR LOVE tells the story of a man and a woman who suspect that their respective spouses have an affair. Like most of Wong's films it is composed of elliptic vignettes. But this time the director structures the plot around very few situations and locations that are revisited over and over again in slightly different ways as time passes. Very often, the repetitious nature of these events is further emphasized by recurring pieces of music like Michael Galasso's arrangement of Shigeru Umebayashi's "Yumeji's Theme".

IN THE MOOD FOR LOVE erzählt die Geschichte eines Mannes und einer Frau, die ihre jeweiligen Ehegatten einer Affäre verdächtigen. Wie die meisten Filme von Wong Kar-Wai besteht auch dieser aus elliptischen Alltagsszenen. Diesmal baut der Regisseur die Handlung anhand einer kleinen Anzahl von Situationen und Schauplätzen, die immer wieder in leicht veränderter Form vorkommen. Sehr oft wird die repetitive Struktur von wiederkehrenden Musikstücken wie etwa Michael Galassos Arrangement von Shigeru Umebayashis "Yumeji's Theme" verdeutlicht.

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Maggie Cheung and Tony Leung meet repetitiously on the way to and from noodles shop.

CITIZEN KANE (Welles, 1940): Transitions

There is so much to study in Orson Welles' debut film that it was a natural choice for this first post. Besides Gregg Toland's often analyzed deep focus photography and expressionist low key lighting, CITIZEN KANE contains a wealth of shot and scene transitions worth examining in detail.
Visual: in-camera dissolves, whip pans, match cuts, montage, visual effects...
Aural: musical bridges, overlapping and continuing dialogue, offscreen sounds, contrasting voices...

Orson Welles' Debutfilm ist dermassen reichhaltig, dass er sich für diesen ersten Eintrag geradezu aufgedrängt hat. Neben Gregg Tolands vielbesprochenen expressionistisch beleuchteten Deep Focus Aufnahmen enthält CITIZEN KANE eine Fülle von Einstellungs- und Szenenübergängen bereit, deren detaillierte Betrachtung sich auf jeden Fall lohnt.
Visuell: In-camera Überblendungen, Reissschwenks, Match Cuts, Montage-Sequenzen, Special Effects...
Akustisch: musikalische Überleitungen, überlappender und szenenübergreifender Dialog, offscreen Geräusche, kontrastierende Stimmen...

[MS]

Two scenes of Susan practising on the piano are connected by a dissolve which indicates how her career and her relationship with Kane have changed by way of audiovisual changes (interior decoration, piano, costume, singing voice, language).